la borla del ombligo

El Origami es el arte japonés del plegado de papel, y con ello se obtienen figuras de formas variadas, partiendo de una base inicial cuadrada o rectangular que pueden ir desde sencillos modelos hasta plegados de gran complejidad. Los sujetos preferidos para modelar son animales y otros elementos de la naturaleza como flores, árboles entre otros motivos. Cómo característica especial está el uso de las manos, a través del doblez del papel, sin cortes, pegamentos ni grapas. (Ver más adelante)

El origen de la palabra Origami procede del japones: oru (plegar) y kami (papel), pero este arte a sufrido cambios a lo largo de la historia. En los primero siglos de sus existencia se le denominaba simplemente Kami por el significado que se había creado para papel, homónimo de la palabra que se usa para espíritus de los dioses. Con el transcurrir del tiempo fue conocido como Orikata que traducido al castellano significa “ejercicios de doblado”, hasta que en 1880 se desarrolló el nombre con el que actualmente se conoce a esta práctica, y en España se le asigno el vocablo papiroflexia.  Miguel de Unamuno, gran aficionado a hacer figuras de papel, llamaba a este arte Cocotología, por la palabra en francés Cocotte (Pajarita).

Según la filosofía oriental, el origami aporta calma y paciencia a quien lo practica, rasgo común de bastantes terapias basadas en el ejercicio manual.

El origami es definido como un arte educativo en el cual las personas desarrollan su expresión artística e intelectual. También lo exponen como la esencia que se esconde tras los dedos de quienes pliegan papeles para darle nacimiento a innumerables figuras.

Existen técnicas similares, pero que tienen puntos que la diferencían claramente del Origami, entre ellas tenemos:

Otra forma de arte con papel son el Kirigami que podemos definir como el arte y técnica de cortar el pape dibujando con las tijereas, sin necesidad de un trazo previo. Otro arte similar es el Maquigami, en el cual, aunque se usan cortes, estos provienen de rasgar directamente con la mano el papel, sin uso de instrumentos, tiene su origen en Perú y su nombre proviene de la unión del vocablo quechua:  maqui (manos) y del japones kami (papel). Papercraft es un método de construcción de figuras tridimensionales de papel, que difiere difiere de la papiroflexia en que sus patrones pueden consistir en muchas piezas de papel cortadas con tijeras y unidas con pegamento, lo cual contradice la filosofía del Origami que sólo contempla doblar papel y nunca recortarlo o pegarlo.

Al final quise dejar al Kusudama, cuya etimología proviene del japones kusu (kusuri=medicina), y dama (tama=bola), y que es otra manera de hacer Origami con varios módulos de papel (dos o tres piezas, muchas veces hasta cien o más) que pueden ser de lo más simple hasta lo más complejo dependiendo del número de piezas de que se componga. Originariamente fueron utilizadas para contener incienso y otros olores. Sin embargo, ahora se usa normalmente como decoración.

Recomiendo leer el artículo de Wikipedia sobre Origami del cual se estrajo parte de la información de esta entrega.

Fuentes:

• Origami en Wikipedia.org Español
• Listfied!
• The Ontoloy of My Life
  

El diario The Boston Globe, a través de su portal Boston.com ha publicado una serie de fotografías que buscan resumir el año en imágenes, realmente una colección recomendable ya que en muchas de ellas podremos ver verdaderas obras de arte, y en general todas son impactantes. El día de hoy hace la primera entrega (40 imágenes) de una serie de 3.

A continuación una muestra de la colección, no forzosamente las más significativas ó las más hermosas de todas.

Fotografía tomada 2 de mayo de 2008. (REUTERS / Carlos Gutierrez)

Medusas en el acuario Ocean Park en el complejo de entretenimiento de Hong Kong el 20 de enero de 2008. (REUTERS/Victor Fraile) (REUTERS / Victor Fraile)

Niño rescatado por la policía de un tiroteo con narcotraficantes en Tijuana el 17 de Enero del 2008. (REUTERS/Jorge Duenes)

El buque holandés Artemis, que encalló, al ser arrastrado por vientos de 130km/h en la playa de Les Sables d'Olonne, en el sur de Bretaña Francesa, al oeste de Francia 10 de marzo de 2008. (REUTERS/Stephane Mahe)

El piloto Yves Rossy, primero en usar un ala a propulsión a chorro unida a su espalda, vuela sobre Bex, Suiza, en su primera demostración oficial. 14 de mayo 2008 (Fabrice Coffrini / AFP / Getty Images)

Fuente: The year 2008 in photographs (part 1 of 3) - The Big Picture - Boston.com

Sin duda alguna, uno de mis fotógrafos favoritos es Henri Cartier Bresson, quien naciera a las afueras de París en Chanteloup-les-vignes, el 22 de agosto de 1908. Ha sido considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Busco insistentemente la idea de atrapar el instante decisivo “images a la sauvette”, regalandonos las más hermosas y nunca mejor dicho, “instantáneas” de la mano de su inseparable Leica.

Frente a su lente estuvieron personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. Cubrío eventos tan importantes como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, filmando el documental sobre el bando republicano “Victorie de la vie”, la Segunda Guerra Mundial, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

Estudió pintura en 1927-1928 de mano de André Lhote en Montparnasse y frecuentó los círculos surrealistas parisinos, inclinando su interes hacia la fotografía. A sus 23 años viaja Costa de Marfil, recogiendo sus primeras fotografías con una Krauss de segunda mano, publicando su reportaje el año siguiente.  Ya en Marsella, adquirió una cámara Leica, y a partir de ese momento siempre se les asociaría. En 1947, fundó la agencia Magnum, unto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger. A través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, Estados Unidos, y México, donde conviviría con el fotografo Manuel Álvarez Bravo y la pintora Frida Kahlo, entre otras personalidades. Inclusive fue el asistente del cineasta Jean Renoir. Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en 1970 para dedicarse al dibujo.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.  Murió casi a los 96 años de edad el 2 de agosto del 2004 en Cereste, al suroeste de Francia. Pero un año antes, Heinz Bütler dirigió la película suiza “Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks”, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros; ese mismo año la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la Fundación Henri Cartier Bresson, que asegura la buena conservación de su obra.

Ha sido fuente de insipiración de muchos fotografos, sino, solo nos queda ver la siguiente página, con excelentes fotografías de “la calle” una de ellas expuesta abajo de estas líneas.

Fuente: Henri Cartier Bresson en Wikipedia

Tal parece que el blog Portafolio en Mano editado, sea dicho de paso por el mexicano Miguel Lorenzo Romero desde Canarias, y en particular los artículos de Alfonso Lozano invaden la borla del ombligo pero sin querer he caído hoy nuevamente en su sitio, y además de ver que habían hecho mención a la de Life y Google como en mi artículo anterior, me encuentro con un reportaje sobre un sitio donde es posible encontrar los carteles de películas ganadoras del Oscar.

Como saben si ven mi página, podrán observar que uno de mis hobbies es el cine y la fotografía, en sí, aprecio el sentido de la vista y disfruto viendo imágenes, pueden ser de lo más variado, y en esto se incluye el arte del cartel de cine, que en muchas ocasiones es causante de que acudamos a la sala de cinematografía o tomemos la caja del DVD en el videoclub, así que las compañías productoras cuidan mucho de él… disfruten de Movie Poster Addict

La revista Life cerrará sus puertas en forma defintiva, pero gracias a Google podremos disfrutar, a partir del mes que viene, de un tesoro histórico compuesto por más de 10 millones de imágenes desde 1750 a la fecha, las cuales fueron parte de las diversas publicaciones de Life desde su fundación en 1883, y que con acceder al potente motor de búsqueda tendremos a nuestra disposición con tan solo poner el término a buscar.

Según la presidenta ejecutiva de Time, Ann Moore, es la colección más importante del mundo sobre “los acontencimientos y personajes del siglo XX”, y a la que se podrá acceder de forma gratuita, siempre que el uso que se le de no sea con ánimo de lucro.

Pero no solo esto, la revista comenta que el 97% de las imágenes que se publicarán serán inéditas, con obras de fotógrafos renombrados como Alfred Eisenstaedt, Margaret Bourke-White o Gordon Parks.

El anuncio de la desaparición de Life llega tras el rediseño de otra de las publicaciones estrella de su editora, la revista Time, que este año nombraba precisamente a los internautas ‘Personajes del año’ por su participación en la elaboración de contenidos para sitios como YouTube o Digg.

Fuentes: El País /   Time

Navegando por internet, encontré una página de Jackson Pollock (ver más adelante), este artista esta considerado uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto, y considerado uno de los pintores más imortantes en Estados Unidos en el siglo XX.

Copio la bibliografía del artista que está publicada en Wikipedia

Nació en Cody, Wyoming (Estados Unidos), y posteriormente, en 1929, se mudó a Nueva York, donde estudió con el pintor Thomas Hart Benton.

Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945.

Pollock se distanció del arte figurativo y desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este (action painting), sin utilizar dibujos ni bocetos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.

Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping.

El dripping consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado en pintura.

Ese mismo año, Pollock habló de esta técnica:

Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otras materias^[1]

De esta manera, lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen, sino un hecho, una acción».

De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.

Durante las décadas de los años 1950 y 1960 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF, Congreso para la Libertad Cultural).

La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956.

La pintura más famosa de Jackson Pollock: “# 5 , 1948″ tiene el récord de subasta al venderse en 140 millones de dólares (USD 140.000.000), superando a la pintura de Gustav Klimt “The kiss “ vendida por 135 millones de dólares.

Ante lo anterior les recomiendo el sitio que mencionaba en mi comentario inicial: http://www.jacksonpollock.org/ que les dará la oportunidad de sentirse por un segundo el artista.

Así mismo pueden ver la película Pollock, actuada y dirigida por Ed Harris en el 2000

Ocupar el lugar de un grande es una responsabilidad enorme, aun más cuando es la misma luminaria quien te impone dicho lugar. Eso le sucedió al peruano Juan Diego Florez.

El propio tenor italiano mencionó en una nota para el País Semanal en el 2003 que hacía mucho tiempo no había oído a nadie cantar con tanta inteligencia; pero no es sólo técia lo que tiene, es una voz bellísima y la dos cosas son lo más important, resaltaba el cantante.

Nacido en Lima, Perú en 1973, inició su carrera como cantante popular. Ingresó al Conservatorio de Lima queriendo ser cantante pop, aunque ahí sus gustos giraron hacia el bel canto. En la acutalidad es uno de los tenores ligeros más cotizados en Europa y Estado Unidos. A los 23 años abrió la temporada en la Scala. Su especialidad es Rossini, Bellini y Donizetti.

En el julio del 2003, Florez debutó en la Ciudad de México, en la Sala Nezahualcóyotl de la U.N.A.M. siendo esta la primera vez que cantara en nuestro país.

http://www.eluniversal.com.mx/notas/447397.html

http://www.dgcs.unam.mx/gacetaweb/2003/07jul03.pdf

Si bien la nota resulta vieja, ya que el tenor originario de Modena, Italia falleció el pasado 6 de septiembre, bien vale la pena recordar un poco de su vida.

Como lo mencioné al principio, nació en Modena, Italia el 12 de Octubre de 1935, en la misma ciudad que lo vió partir el 6 de septiembre del 2007, víctima de cáncer de páncreas.

Fue hijo de un panadero y tenero aficionado, quien lo motivara a realizar estudios de canto lírico y que posteriormente ayudara a su hijo a continuar la carrera de tenor cuando joven ofreciéndole alojamiento y comida hasta los 30 años, tiempo límite para que si no lograba tener éxito debería ganarse el sustento por sí mismo. Continue reading

Remedios Varo es tal vez una de mis pintoras favoritas, además de utilizar en sus pinturas una combinación de colores que invitan a soñar, son sus imágenes sin lugar a dudas un reflejo del subconsiciente de casi cualquiera de nosotros. Tan solo hace falta sentarse a reflexionar un poco frente a cualquier pintura de ella, para darnos cuenta que la combinación de temas, rostros y el mismo título nos guían sin necesidad de un curador experto a lo que la artista española y refugiada en México nos quería decir.

Condiscipula de Dalí en San Fernado, esta artista española viajó a México en la postguerra Civil Española, dejando así una huella imborrable en la historia del arte mexicano. Son muchas las obras que me gustan de esta artista, y poco a poco irán apareciendo más imágenes de ella en este blog, por lo pronto pongo una de ellas, la cual es titulada “La Despedida”1958

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Hola a todos, he decidido reabrir mi blog personal, mientras trabajo en la re-inauguración de la Medtrópoli, y es que la residencia me había alejado un poco de lo que a las páginas se refiere.

Recordando un poco, La Borla del Ombligo es un espacio donde quien habla soy yo. ¿De qué? pues de cualquier cosa, desde Medicina (hablando en un punto más personal que en la Medtrópoli, donde todo es más científico), hasta futbol, pasando por libros, cine, música, conciertos, comida, viajes, etc. cualquier cosa que yo pueda andar teniendo en mente.

La Borla del Ombligo es exactamente eso, la pelusa que sale de mi cicatriz umbilical en los ratos de ocio, pero además un espacio que me he brindado yo para desahogar cualquier cosa, haciendo uso responsable del derecho de expresión.

En fin, comencemos otra vez esta experiencia psico-social de bloggear…

Roberto.